Marta Minujín fue distinguida como Personalidad Emérita de la Cultura

Marta Minujín fue reconocida como Personalidad Emérita de la Cultura de la Nación durante un acto realizado en la Cúpula del Palacio Libertad. La distinción oficial valoró una carrera de más de seis décadas, atravesada por happenings, instalaciones, performances y obras monumentales que transformaron la relación entre el arte, el espacio público y los espectadores.

Marta Minujín fue reconocida como Personalidad Emérita de la Cultura de la Nación por su extensa trayectoria y por el alcance de una producción que convirtió a la participación del público en uno de sus principales materiales artísticos. El homenaje se realizó en la Cúpula del Palacio Libertad, ante artistas, gestores culturales y representantes del ámbito institucional.

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La ceremonia estuvo encabezada por Leonardo Cifelli, secretario de Cultura de la Nación, quien entregó una placa conmemorativa a la artista. Durante el encuentro también se repasaron algunos de los momentos más relevantes de una carrera que comenzó en Buenos Aires, se expandió hacia París y Nueva York, y luego proyectó el nombre de la Argentina en museos, festivales y exposiciones internacionales.

La distinción llega en un momento en el que la obra de Minujín continúa despertando interés tanto en el circuito especializado como entre públicos que quizás no frecuentan los museos. Sus propuestas se caracterizan por ser visualmente impactantes, incorporar materiales cotidianos y plantear una experiencia que no se limita a contemplar una pieza terminada.

El reconocimiento a Marta Minujín destaca una obra abierta al público

Durante el acto, Cifelli definió a Minujín como una figura asociada con la libertad, la creatividad y la experimentación. También remarcó que sus trabajos lograron ampliar la idea tradicional de obra de arte: en lugar de presentar objetos intocables y separados del visitante, muchas de sus creaciones invitan a entrar, recorrer, intervenir, observar desde distintos ángulos o participar de una acción colectiva.

Ese vínculo con el público aparece desde sus primeras experiencias con el happening y se mantiene en proyectos posteriores de gran escala. En sus obras, la sorpresa, el humor, el juego y la transformación de materiales funcionan como recursos para producir una situación compartida. La experiencia no queda reducida a la pieza física, sino que incluye las reacciones de quienes la visitan y la memoria que se construye alrededor de ella.

El Palacio Libertad, antiguo Centro Cultural Kirchner, fue presentado durante el homenaje como un espacio abierto para la cultura argentina. La elección del lugar reforzó la relación entre la trayectoria de Minujín y una concepción expansiva del arte, capaz de ocupar edificios, plazas, avenidas y otros ámbitos que exceden las salas tradicionales.

De París al Instituto Di Tella: los años que definieron su lenguaje

Nacida el 30 de enero de 1943 en el barrio porteño de San Telmo, Minujín inició su formación artística desde muy joven. Estudió pintura, escultura y dibujo, y en 1961 obtuvo una beca del Fondo Nacional de las Artes que le permitió viajar a París. Allí entró en contacto con corrientes renovadoras y comenzó a explorar materiales como el cartón y los colchones, alejándose de los soportes más previsibles de la tradición académica.

En 1963 presentó La Destrucción, una experiencia en la que convocó a otros artistas para intervenir obras antes de destruirlas con fuego y hachas. La acción condensaba varias preocupaciones que luego recorrerían su producción: el carácter temporal de la obra, la participación de otros creadores y la posibilidad de que la destrucción también fuera una forma de creación.

De regreso en Buenos Aires, durante la década de 1960 desarrolló trabajos que se volvieron fundamentales para entender la renovación artística de la época. Entre ellos se encuentran Eróticos en Technicolor, ¡Revuélquese y viva!, La Menesunda, realizada junto con Rubén Santantonín, y El Batacazo. Varias de estas propuestas rompían con el recorrido pasivo por una exposición y planteaban ambientes cargados de estímulos, recorridos y situaciones inesperadas.

El Instituto Torcuato Di Tella fue uno de los espacios centrales para esa vanguardia porteña. Allí Minujín coincidió con artistas que buscaban conectar las prácticas visuales con la música, el teatro, la tecnología, la publicidad y la cultura urbana. En 1964 recibió el Premio Nacional Instituto Torcuato Di Tella y, dos años más tarde, obtuvo una beca de la Fundación Guggenheim.

La tecnología apareció como herramienta de interacción

Su vínculo con la vanguardia neoyorquina amplió el repertorio de recursos que utilizaba. En 1967 presentó Minuphone, una cabina telefónica que incorporaba efectos tecnológicos y respondía a la intervención de las personas. La obra anticipaba una preocupación que hoy resulta especialmente cercana: cómo los dispositivos pueden modificar la conducta del público y convertir una acción cotidiana en una experiencia artística.

Sin utilizar las categorías actuales de interacción digital, Minujín ya trabajaba con una lógica basada en la respuesta del visitante. El espectador dejaba de ser un observador externo y pasaba a formar parte del funcionamiento de la obra. Esa perspectiva ayuda a comprender por qué sus instalaciones siguen siendo atractivas en una época dominada por experiencias inmersivas, contenidos compartibles y espacios diseñados para ser recorridos.

Obras monumentales, memoria y símbolos de la cultura argentina

Durante la década de 1970, la artista amplió sus investigaciones hacia instalaciones, performances y propuestas de gran escala. Realizó experiencias como Comunicando con tierra, Repollos y Toronjas, al mismo tiempo que comenzó a desarrollar una línea relacionada con la caída de mitos universales y nacionales.

En 1979 levantó sobre la avenida 9 de Julio un obelisco de 30 metros recubierto por 30.000 panes dulces. La estructura retomaba uno de los símbolos más reconocibles de Buenos Aires y lo transformaba mediante un material asociado con las celebraciones populares. Luego, los panes fueron distribuidos entre el público, reforzando el carácter efímero y colectivo de la propuesta.

Otro capítulo relevante fue El Partenón de libros prohibidos, realizado en 1983. La obra utilizó libros censurados como elemento constructivo y vinculó la producción artística con la recuperación de la memoria, la libertad de expresión y el acceso al conocimiento. En 2018 Minujín presentó una nueva versión en Documenta, en Kassel, Alemania, lo que permitió que aquella intervención volviera a dialogar con públicos internacionales.

En 1985 realizó junto con Andy Warhol la foto-performance El pago de la deuda externa, en la que utilizó choclos como parte de la acción. La obra combinó referencias económicas y políticas con una imagen de fuerte impacto visual. Como en otros trabajos de la artista, la idea no se apoyaba únicamente en el objeto, sino también en la escena, el gesto y la circulación pública de la imagen.

Una trayectoria que sigue activa en museos de todo el mundo

La producción de Minujín forma parte de colecciones de instituciones argentinas y extranjeras. Entre ellas se encuentran el Museo Nacional de Bellas Artes, el MALBA, el Museo Guggenheim de Nueva York, el Centre Pompidou de Francia y la Tate de Liverpool. La presencia en esos espacios confirma la importancia de su obra dentro de la historia del arte contemporáneo y de las prácticas performáticas.

La artista recibió el Premio Konex de Platino en 1982, en la categoría Experiencias, y volvió a obtener esa distinción en 2002, esta vez por Instalaciones y Performances. Estos reconocimientos se suman a una circulación sostenida de sus trabajos en exposiciones individuales y colectivas.

Su actividad no quedó limitada a la recuperación de obras históricas. En 2019 llevó La Menesunda Reloaded al New Museum de Nueva York, una recreación que permitió revisar aquella experiencia de 1965 desde una perspectiva contemporánea. En 2020 produjo Pandemia, una obra vinculada con el aislamiento provocado por el coronavirus, y en 2021 presentó en Inglaterra un Big Ben acostado construido con libros políticos.

Durante la ceremonia en el Palacio Libertad, se mostraron imágenes de La Pandemia, una producción realizada con 27.900 tiritas de papel pegadas por la artista durante los primeros nueve meses de aislamiento. La obra funciona como registro de un período excepcional, pero también como ejemplo de la capacidad de Minujín para convertir una experiencia colectiva en una imagen reconocible y cargada de significado.

La idea del fracaso como motor para seguir creando

En su intervención, Minujín recordó momentos difíciles de su recorrido, entre ellos el cierre del Instituto Di Tella y la destrucción de obras de diversos artistas. También mencionó el clima de censura y peligro que atravesó a la comunidad artística durante la década de 1970.

Su relato estuvo acompañado por una defensa del aprendizaje a través del error. Con una expresión propia, la artista reivindicó la posibilidad de ser una persona que fracasa y continúa creando. Más allá del juego verbal, esa mirada resume una parte importante de su método: probar materiales, aceptar la incertidumbre, cambiar de escala y convertir los límites en componentes de la obra.

La frase también permite leer su trayectoria en contraste con una concepción del éxito basada exclusivamente en la permanencia o en la perfección. Muchas de sus piezas fueron pensadas para desaparecer, romperse, transformarse o ser distribuidas. Su valor no depende siempre de conservar un objeto intacto, sino de activar una experiencia que pueda permanecer en la memoria social.

Qué cambia para la visibilidad de las instituciones culturales y sus artistas

El reconocimiento de Marta Minujín tiene una dimensión que excede el homenaje personal. Para museos, centros culturales y proyectos artísticos, su trayectoria muestra la importancia de comunicar las obras como experiencias con contexto, antecedentes y participación, y no únicamente como imágenes aisladas.

En términos de visibilidad orgánica, las instituciones pueden beneficiarse cuando sus contenidos explican con claridad quién es el artista, qué representa una obra, dónde se presentó y por qué vuelve a ser relevante. Una página dedicada a La Menesunda, por ejemplo, puede responder búsquedas sobre arte argentino, instalaciones inmersivas, Instituto Di Tella y participación del público si desarrolla esos vínculos de manera natural y verificable.

También resulta relevante organizar archivos, fotografías, videos y textos curatoriales para que puedan ser encontrados por periodistas, investigadores, docentes, turistas y personas interesadas en la cultura. La obra de Minujín tiene múltiples puertas de entrada: historia del arte, identidad argentina, performance, censura, espacio público, tecnología y cultura popular.

Para negocios digitales vinculados con turismo, educación, producción audiovisual o gestión cultural, este tipo de acontecimiento ofrece un tema de interés sostenido. La clave no está en repetir el anuncio institucional, sino en facilitar información útil: qué se reconoció, cuáles son las obras principales, qué instituciones las conservan y cómo se conecta la trayectoria con el presente.

La información de referencia sobre el homenaje fue publicada originalmente por Clarín. La distinción suma un nuevo capítulo a la carrera de una artista que convirtió la provocación, el humor y la participación colectiva en una forma inconfundible de representar a la Argentina.

Con este reconocimiento, Marta Minujín vuelve a ocupar el centro de la conversación cultural sin abandonar el espíritu que definió su recorrido: experimentar, desafiar las reglas conocidas y proponer que el arte también puede ser una experiencia compartida, efímera y abierta a nuevas interpretaciones.